Braindead vs. Cemetery Man – Halloween Double Feature with Freudian Zombies

As it is Halloween and the Walking Dead are highly en vogue after their spectacular return this October, I decided to review two zombie movies I had the joy of analyzing during my Bachelor thesis: Peter Jackson’s Braindead (New Zealand, 1989) and Michele Soavi’s Cemetery Man (originally called Dellamorte, Dellamore, Italy, 1994).

Braindead is infamous for being the 'bloodiest' movie ever. Director Peter Jackson, long before he made the prized Lord of the Rings movie trilogy, displayed quite a tendency towards gore and overall Bad Taste (1987). It cannot be denied that his movies then held somewhat of a tradition of being provocative in the most juvenile way possible. But Braindead shows that there is more to it than pure chainsaw Dada. 

Braindead: Zombies!

After a short exposition during which the viewer learns that a highly aggressive rat/monkey monstrosity (a nod towards Jackson’s King Kong) has been brought to a zoo somewhere in New Zealand, we are introduced to Lionel (Timothy Balme), a polite young man whose life is absolutely centered on his bossy mother (Elizabeth Moody). One day, Lionel and Paquita (Diana Penalver), a charming young lady working at the local grocery store, decide to visit the aforementioned zoo. Lionel’s mother, nervously spying on them, gets too close to one of the cages and is bitten by the mysterious rat-monkey whereupon she stamps him into the ground in an outburst of passionate violence. 

 

A fatal Transformation

 

During the next few days, she is seen lying in her bed as her wound starts festering and pulsating. However, she is determined not to let her chance to impress the local welfare committee fly by and insists on meeting them, which results in one of the most disgusting dinner scenes in movie history. If you can bear watching the mother slowly devouring her own ear and possibly even emit a slight chuckle, you are set to like this movie.

Braindead: The infamous ear-eating scene.

The bodily deterioration of the mother cannot be stopped, and her lust for flesh increases. Lionel really tries his best to avoid facing any consequences and hides his violent zombie mother in the house, but she soon frees herself, only to be hit by a train and slither into Paquita’s shop in a highly comical fashion. 

 

As Lionel assumes her to be finally dead, now would be the time to celebrate his newly found freedom, but instead he decides to open her grave and let her back into his life. Chaos ensues. Not only does she turn a gang of punks and a priest into zombies (whom Lionel miraculously manages to bring home without being seen or getting bitten) but he proceeds to set up some kind of zombie retirement home in his basement. During a house party set up by his hedonistic and disgusting uncle, the dead and the living meet in a most spectacular (and gory) fashion.

Braindead: Lionel sets up a zombie retirement home.

This movie is all about hyperbolic effects: The characters are comical to the extreme and the amount of violence is, even for a zombie movie, exaggerated to the point of exhaustion, featuring the most memorable application of a lawn mower you will ever see. According to media anthropologist Arno Meteling, Jackson’s take on the zombie trope is an adaptation of the grotesque, an aesthetic category described by Michail Bachtin, with a long tradition of physical depictions and narrations of excessive feasts and frivolous orgies reaching back to Francois Rabelais’ novel Gargantua about an insatiable giant. But at the same time, it is a rather unconventional coming of age-story paying a highly ironical tribute to American Psycho and hilariously reversing gender stereotypes between Lionel and Paquita, with lots of Eros and Thanatos. 

 

Cemetery Man: Francesco and the inspector don't care too much about the deceased.

Love (and Brains) is all you Need

 

Speaking of love and death, enter Cemetery Man. Cemetery Man has a slightly, but noticeably different tone. The hero (none other than Rupert Everett) is, too, a young, insecure man, but he works in a cemetery in Italy, where the dead are restless. Together with his trusty, mentally challenged companion Gnaghi (Francois Hadji-Lazaro), he makes sure that they stay underground. However, he gets into trouble when he has sex with a beautiful woman (Anna Falchi) on the grave of her recently deceased husband. The husband, upon noticing the disturbance, attacks her and she seems dead. Francesco brings her to the morgue and when she awakes, shoots her in the head. Only later does he find out that she wasn’t (un)dead until he shot her. 

Cemetery Man: During the night after the crash, Francesco has a lot of work to do.

The next day, Francesco tries to persuade the mayor to take the zombie issue seriously. His attempts to be heard are, however, interrupted by Gnaghi, who’s continuously staring at the mayor’s daughter until she asks for the reason of his curious behavior. Gnaghi, in reply, simply vomits on her. After the mayor’s daughter leaves the scene, we see her and her biker friends in a spectacular crash with a school bus, resulting in lots of work for poor Francesco who gets caught in a downward spiral of guilt, phallic anxiety and lust for blood. 

Cemetery Man: Francesco has an uncalled-for conversation with Death himself.

But in contrast to what you might think, this movie does not focus on repulsion and disgust. At times, it gets brutal, but this violence is in stark contrast to incredibly artistic shots, depicting melancholic scenes of the cemetery at night. The viewer gets confused as a myriad of clues and contradictions pop up – and lots of doppelgangers. It can be argued that this movie embodies the other side of the grotesque as described by German literary scholar Wolfgang Kayser, as the story becomes increasingly hard to understand, where tragedy, trauma and physical and mental deformation intertwine into a disorienting experience. In the end, you will be insecure as to what just happened, and I highly suggest watching the movie, as it is a rather chilling, nihilistic experience.

These two rather unusual horror/comedy classics are definitely worth a peek for any zombie movie fan, as they explore a narrative and aesthetic potential of the genre that hardly anyone has ventured further into (with a few exceptions: Fido (2006); Otto, or Up with dead people! (2008)).

Happy Halloween!

Aldous Huxley: Schöne neue Welt - Und wie sieht's heute aus?

Aldous Huxleys Roman Brave New World von 1932 zählt zu den Meilensteinen der Weltliteratur. Der Roman antizipiert den menschlichen Eingriff in biologisches Erbmatieral - ein Thema, dass Jahrzehnte später in Form von Klonschaf Dolly (1996-2003) erschreckend greifbar wurde - und denkt einen Schritt weiter: Was wäre, wenn genetische Optimierung zur Leitkultur würde? Für diese Review setze ich mich mit einer deutschen Übersetzung des Romans auseinander (Schöne Neue Welt, 2006, S. Fischer).

Dass Huxleys Science-Fiction-Roman so bedeutsam ist, hängt zweifelsfrei damit zusammen, dass schon ein Jahr nach Erscheinen sich eine Ära anschloss, die der Dramatik seiner Bio-Dystopie entsprach. Die Biopolitik des Dritten Reiches mit ihren Schädelvermessungen und Euthanasiemorden beweist die tiefen Abgründe, zu denen eine von Ethik befreite Wissenschaft fähig ist.

Schöne neue Welt, 2006 in 63. Auflage in deutscher Übersetzung erschienen im Fischer Taschenbuch Verlag.

Nach ähnlichen Mechanismen funktioniert auch Huxleys Dystopie, allerdings wesentlich subtiler als die auf Barbarei gegründete Diktatur der Nationalsozialisten. Beide Systeme beruhen auf Verdrängung und Blindheit: Während das Dritte Reich seine Mordmaschinerie in abgeschotteten Lagern betrieb und in der Öffentlichkeit lieber die kollektive Kriegslust inszenierte, findet der Leser in Huxleys Welt eine schein-perfekte spätkapitalistische Gesellschaft vor, in der jedes Rädchen genetisch und psychisch auf seine Rolle programmiert ist. Die innere Leere, die sich immer mal wieder einstellt, wird mit einer Schlafdroge namens Soma abgetötet. 

Natürlich ist dort wie hier ein Freidenker und Grübler wie Sigmund Marx (ein heute ziemlich zusammengeschustert klingender 'sprechender' Name) nicht gern gesehen. Von Beruf her ist der junge Mann ein "Schlafschulspezialist", dessen Haupttätigkeit darin besteht, sich für die Burtstätten des Regimes möglichst eindringliche, ins Unbewusste dringende Reime auszudenken, die Kinder in ihren Träumen auf ihre Rolle im System vorbereiten. Er ist jedoch ganz offensichtlich unterfordert von dieser Aufgabe und führt lange Unterhaltungen mit seinem Freund, Helmholtz Watson (auch ein komischer Name). 

Marx ist nicht nur ungewöhnlich klein für seine Kaste („Alpha Plus“), sondern hat auch eine ziemliche Tendenz zur Monogamie, beides Dinge, die kritisch beäugt werden in einer Gesellschaft, wo jeder als das Eigentum seines Nächsten gilt. In Huxleys Dystopie werden menschliche Beziehungen, wie alle Aspekte des emotionalen Lebens, bewusst oberflächlich gehalten, sodass allzu starke Emotionen zugunsten gesellschaftlicher Harmonie vermieden werden. Huxley versteht es, die verschiedenen Grautöne dieser inhärent tristen Welt zum Vorschein zubringen.

 

Gleich zu Beginn wird dem Leser klar gemacht, dass es sich um eine trostlose, leistungsorientierte Welt handelt, in der die Produktivität zählt und wenig mehr. Die herrschende Ideologie dieser sinnentleerten Welt ist der Fordismus, eine ausgehöhlte Religion, die sich vor den geköpften Kreuzen des Christentums versammelt, um die vom T-Modell eingeführte Massenproduktion zu vergöttern. Ein tolles Konzept, das allerdings von der Übersetzung geschwächt wird: Geräuschwörter wie „Rutschiputschi“ können die Immersion doch ziemlich beeinträchtigen. Ich denke, dass der Leser mit der englischen Version besser beraten ist.

Huxley kontrastiert seine spätkapitalistische Dystopie mit einem Wilden-Reservat, einer kleinen Insel außerhalb der technisierten Zivilisation, in dem der abgeschottete Rest der Welt lebt. Hier leiden die Menschen noch an Krankheit und Alter, sind vom Wetter abhängig und führen das mindestens ebenso trostlose Leben von Zootieren, die von Marx und seiner Freundin bestaunt werden. Zwar verhilft die Berührung beider Welten dem nicht ausschließlich sympathischen Marx kurzzeitig zu gesellschaftlicher Anerkennung, aber letztlich erweist sich der Brückenschlag als utopisch, was die große tragische Pointe des Romans ausmacht. Die eingestreuten Shakespeare-Zitate, die als Lichtquelle im kollektiven Dunkel der heruntergekommenen Zivilisation herhalten sollten, machten auf mich einen eher unpassenden Eindruck, selbst als bewusst gesetzte Abgrenzung.

Was also ist von Huxleys revolutionärem Roman zu halten? Sicher ist, dass er an Aktualität nichts eingebüßt hat. Die Konsumgesellschaft, die scheinbar unbekümmert den Kalten Krieg überstanden hat, muss kritisch beobachtet werden. Wissenschaftlicher Fortschritt und der Reichtum Einzelner darf nicht aus gesellschaftlicher Spaltung und Unterdrückung gedeihen. Huxleys Roman erinnert uns daran; und auf Englisch sicherlich in schönerem Stil.