Braindead vs. Cemetery Man – Halloween Double Feature with Freudian Zombies

As it is Halloween and the Walking Dead are highly en vogue after their spectacular return this October, I decided to review two zombie movies I had the joy of analyzing during my Bachelor thesis: Peter Jackson’s Braindead (New Zealand, 1989) and Michele Soavi’s Cemetery Man (originally called Dellamorte, Dellamore, Italy, 1994).

Braindead is infamous for being the 'bloodiest' movie ever. Director Peter Jackson, long before he made the prized Lord of the Rings movie trilogy, displayed quite a tendency towards gore and overall Bad Taste (1987). It cannot be denied that his movies then held somewhat of a tradition of being provocative in the most juvenile way possible. But Braindead shows that there is more to it than pure chainsaw Dada. 

Braindead: Zombies!

After a short exposition during which the viewer learns that a highly aggressive rat/monkey monstrosity (a nod towards Jackson’s King Kong) has been brought to a zoo somewhere in New Zealand, we are introduced to Lionel (Timothy Balme), a polite young man whose life is absolutely centered on his bossy mother (Elizabeth Moody). One day, Lionel and Paquita (Diana Penalver), a charming young lady working at the local grocery store, decide to visit the aforementioned zoo. Lionel’s mother, nervously spying on them, gets too close to one of the cages and is bitten by the mysterious rat-monkey whereupon she stamps him into the ground in an outburst of passionate violence. 

 

A fatal Transformation

 

During the next few days, she is seen lying in her bed as her wound starts festering and pulsating. However, she is determined not to let her chance to impress the local welfare committee fly by and insists on meeting them, which results in one of the most disgusting dinner scenes in movie history. If you can bear watching the mother slowly devouring her own ear and possibly even emit a slight chuckle, you are set to like this movie.

Braindead: The infamous ear-eating scene.

The bodily deterioration of the mother cannot be stopped, and her lust for flesh increases. Lionel really tries his best to avoid facing any consequences and hides his violent zombie mother in the house, but she soon frees herself, only to be hit by a train and slither into Paquita’s shop in a highly comical fashion. 

 

As Lionel assumes her to be finally dead, now would be the time to celebrate his newly found freedom, but instead he decides to open her grave and let her back into his life. Chaos ensues. Not only does she turn a gang of punks and a priest into zombies (whom Lionel miraculously manages to bring home without being seen or getting bitten) but he proceeds to set up some kind of zombie retirement home in his basement. During a house party set up by his hedonistic and disgusting uncle, the dead and the living meet in a most spectacular (and gory) fashion.

Braindead: Lionel sets up a zombie retirement home.

This movie is all about hyperbolic effects: The characters are comical to the extreme and the amount of violence is, even for a zombie movie, exaggerated to the point of exhaustion, featuring the most memorable application of a lawn mower you will ever see. According to media anthropologist Arno Meteling, Jackson’s take on the zombie trope is an adaptation of the grotesque, an aesthetic category described by Michail Bachtin, with a long tradition of physical depictions and narrations of excessive feasts and frivolous orgies reaching back to Francois Rabelais’ novel Gargantua about an insatiable giant. But at the same time, it is a rather unconventional coming of age-story paying a highly ironical tribute to American Psycho and hilariously reversing gender stereotypes between Lionel and Paquita, with lots of Eros and Thanatos. 

 

Cemetery Man: Francesco and the inspector don't care too much about the deceased.

Love (and Brains) is all you Need

 

Speaking of love and death, enter Cemetery Man. Cemetery Man has a slightly, but noticeably different tone. The hero (none other than Rupert Everett) is, too, a young, insecure man, but he works in a cemetery in Italy, where the dead are restless. Together with his trusty, mentally challenged companion Gnaghi (Francois Hadji-Lazaro), he makes sure that they stay underground. However, he gets into trouble when he has sex with a beautiful woman (Anna Falchi) on the grave of her recently deceased husband. The husband, upon noticing the disturbance, attacks her and she seems dead. Francesco brings her to the morgue and when she awakes, shoots her in the head. Only later does he find out that she wasn’t (un)dead until he shot her. 

Cemetery Man: During the night after the crash, Francesco has a lot of work to do.

The next day, Francesco tries to persuade the mayor to take the zombie issue seriously. His attempts to be heard are, however, interrupted by Gnaghi, who’s continuously staring at the mayor’s daughter until she asks for the reason of his curious behavior. Gnaghi, in reply, simply vomits on her. After the mayor’s daughter leaves the scene, we see her and her biker friends in a spectacular crash with a school bus, resulting in lots of work for poor Francesco who gets caught in a downward spiral of guilt, phallic anxiety and lust for blood. 

Cemetery Man: Francesco has an uncalled-for conversation with Death himself.

But in contrast to what you might think, this movie does not focus on repulsion and disgust. At times, it gets brutal, but this violence is in stark contrast to incredibly artistic shots, depicting melancholic scenes of the cemetery at night. The viewer gets confused as a myriad of clues and contradictions pop up – and lots of doppelgangers. It can be argued that this movie embodies the other side of the grotesque as described by German literary scholar Wolfgang Kayser, as the story becomes increasingly hard to understand, where tragedy, trauma and physical and mental deformation intertwine into a disorienting experience. In the end, you will be insecure as to what just happened, and I highly suggest watching the movie, as it is a rather chilling, nihilistic experience.

These two rather unusual horror/comedy classics are definitely worth a peek for any zombie movie fan, as they explore a narrative and aesthetic potential of the genre that hardly anyone has ventured further into (with a few exceptions: Fido (2006); Otto, or Up with dead people! (2008)).

Happy Halloween!

Aldous Huxley: Schöne neue Welt - Und wie sieht's heute aus?

Aldous Huxleys Roman Brave New World von 1932 zählt zu den Meilensteinen der Weltliteratur. Der Roman antizipiert den menschlichen Eingriff in biologisches Erbmatieral - ein Thema, dass Jahrzehnte später in Form von Klonschaf Dolly (1996-2003) erschreckend greifbar wurde - und denkt einen Schritt weiter: Was wäre, wenn genetische Optimierung zur Leitkultur würde? Für diese Review setze ich mich mit einer deutschen Übersetzung des Romans auseinander (Schöne Neue Welt, 2006, S. Fischer).

Dass Huxleys Science-Fiction-Roman so bedeutsam ist, hängt zweifelsfrei damit zusammen, dass schon ein Jahr nach Erscheinen sich eine Ära anschloss, die der Dramatik seiner Bio-Dystopie entsprach. Die Biopolitik des Dritten Reiches mit ihren Schädelvermessungen und Euthanasiemorden beweist die tiefen Abgründe, zu denen eine von Ethik befreite Wissenschaft fähig ist.

Schöne neue Welt, 2006 in 63. Auflage in deutscher Übersetzung erschienen im Fischer Taschenbuch Verlag.

Nach ähnlichen Mechanismen funktioniert auch Huxleys Dystopie, allerdings wesentlich subtiler als die auf Barbarei gegründete Diktatur der Nationalsozialisten. Beide Systeme beruhen auf Verdrängung und Blindheit: Während das Dritte Reich seine Mordmaschinerie in abgeschotteten Lagern betrieb und in der Öffentlichkeit lieber die kollektive Kriegslust inszenierte, findet der Leser in Huxleys Welt eine schein-perfekte spätkapitalistische Gesellschaft vor, in der jedes Rädchen genetisch und psychisch auf seine Rolle programmiert ist. Die innere Leere, die sich immer mal wieder einstellt, wird mit einer Schlafdroge namens Soma abgetötet. 

Natürlich ist dort wie hier ein Freidenker und Grübler wie Sigmund Marx (ein heute ziemlich zusammengeschustert klingender 'sprechender' Name) nicht gern gesehen. Von Beruf her ist der junge Mann ein "Schlafschulspezialist", dessen Haupttätigkeit darin besteht, sich für die Burtstätten des Regimes möglichst eindringliche, ins Unbewusste dringende Reime auszudenken, die Kinder in ihren Träumen auf ihre Rolle im System vorbereiten. Er ist jedoch ganz offensichtlich unterfordert von dieser Aufgabe und führt lange Unterhaltungen mit seinem Freund, Helmholtz Watson (auch ein komischer Name). 

Marx ist nicht nur ungewöhnlich klein für seine Kaste („Alpha Plus“), sondern hat auch eine ziemliche Tendenz zur Monogamie, beides Dinge, die kritisch beäugt werden in einer Gesellschaft, wo jeder als das Eigentum seines Nächsten gilt. In Huxleys Dystopie werden menschliche Beziehungen, wie alle Aspekte des emotionalen Lebens, bewusst oberflächlich gehalten, sodass allzu starke Emotionen zugunsten gesellschaftlicher Harmonie vermieden werden. Huxley versteht es, die verschiedenen Grautöne dieser inhärent tristen Welt zum Vorschein zubringen.

 

Gleich zu Beginn wird dem Leser klar gemacht, dass es sich um eine trostlose, leistungsorientierte Welt handelt, in der die Produktivität zählt und wenig mehr. Die herrschende Ideologie dieser sinnentleerten Welt ist der Fordismus, eine ausgehöhlte Religion, die sich vor den geköpften Kreuzen des Christentums versammelt, um die vom T-Modell eingeführte Massenproduktion zu vergöttern. Ein tolles Konzept, das allerdings von der Übersetzung geschwächt wird: Geräuschwörter wie „Rutschiputschi“ können die Immersion doch ziemlich beeinträchtigen. Ich denke, dass der Leser mit der englischen Version besser beraten ist.

Huxley kontrastiert seine spätkapitalistische Dystopie mit einem Wilden-Reservat, einer kleinen Insel außerhalb der technisierten Zivilisation, in dem der abgeschottete Rest der Welt lebt. Hier leiden die Menschen noch an Krankheit und Alter, sind vom Wetter abhängig und führen das mindestens ebenso trostlose Leben von Zootieren, die von Marx und seiner Freundin bestaunt werden. Zwar verhilft die Berührung beider Welten dem nicht ausschließlich sympathischen Marx kurzzeitig zu gesellschaftlicher Anerkennung, aber letztlich erweist sich der Brückenschlag als utopisch, was die große tragische Pointe des Romans ausmacht. Die eingestreuten Shakespeare-Zitate, die als Lichtquelle im kollektiven Dunkel der heruntergekommenen Zivilisation herhalten sollten, machten auf mich einen eher unpassenden Eindruck, selbst als bewusst gesetzte Abgrenzung.

Was also ist von Huxleys revolutionärem Roman zu halten? Sicher ist, dass er an Aktualität nichts eingebüßt hat. Die Konsumgesellschaft, die scheinbar unbekümmert den Kalten Krieg überstanden hat, muss kritisch beobachtet werden. Wissenschaftlicher Fortschritt und der Reichtum Einzelner darf nicht aus gesellschaftlicher Spaltung und Unterdrückung gedeihen. Huxleys Roman erinnert uns daran; und auf Englisch sicherlich in schönerem Stil.

Ab in den Dschungel - Oder in die Irrenanstalt?

Christian Clavier hat mal wieder Schwiegersohnprobleme. Aber diesmal sind es nicht gleich vier, wie im grandiosen Monsieur Claude und seine Töchter. In der Katastrophenkomödie Ab in den Dschungel (Frankreich 2015, Regie: Philippe Lacheau, Nicolas Benamou) reicht gerade mal ein einziger Chaot, um den ganzen Laden gehörig auf den Kopf zu stellen. Es ist die Forstsetzung des Films Project: Babysitting, was man ihm aber nicht anmerkt; der Hangover-Stil des ersten Teils deutet sich zwar auch hier an, aber die Geschichte funktioniert auch ohne den Vorgänger ganz gut.

Eigentlich hätte alles ganz harmlos ablaufen können: Der junge Franck (Philippe Lacheau) und seine Liebste Sonia (Alice David) machen mit ein paar Freunden Urlaub auf dem Inselparadies ihres Papas, und als Krönung des Ganzen wird der Verlobungsring präsentiert. 

Franck (mitte) und seine dämlichen Freunde (links: Alex, rechts: "Ladykiller" Sam). Quelle.

Deppen unter Palmen

Das einzige Problem an der Geschichte ist, dass der junge Mann sich mit absoluten Vollidioten umgibt. An vorderster Front wäre Alex (Julien Arruti) zu nennen. Nicht nur geht er allen mit seiner Kamera gehörig auf die Nerven, sondern verhält sich in jeder Situation so überaus dämlich, dass der Zuschauer bereits nach einer halben Stunde im Film Höllenqualen der Fremdscham und/oder Wut erleidet. Es beginnt damit, dass er aus Gründen der Geheimhaltung, aber ohne ersichtliche Notwendigkeit den Verlobungsring in den Mund steckt. Natürlich verschluckt er ihn dann versehentlich, dann schießt der Tollpatsch auch noch eine Harpune in Francks Koffer, und von da an geht es nur noch bergab.

Außerdem dabei: Ernest – Streber, Flugbegleiter und Möchtegernpilot und Sam, der gerne Ladykiller wäre und Estelle, das versaute Dummchen. Damit wären die Rollen mehr als eingehend beschrieben, denn Charaktere (und Witze) bleiben vorwiegend flach. 

Not impressed: Alain (Christian Clavier, rechts) und seine Tochter Sonia (Alice David). Quelle.

Auf dem Inselparadies angekommen, müssen sich die Hohlköpfe erst einmal an die Sitten der Einheimischen gewöhnen: Kein Kabelfernsehen und keine Swimming-Pools, denn Christian Clavier (diesmal heißt er Alain) spielt nicht länger den katholisch-konservativen Familienvater, sondern ist wohl geschieden (?) und betreibt ein Öko-Hotel in Brasilien, das sich dem Naturschutz und Artenerhalt widmet. Und so weist er den jungen Franck gleich als Erstes darauf hin, wie viele Bäume so ein BD (Franck ist Comiczeichner) verschlingt. Welch unangenehme Begegnung, und das noch bevor einer der Katastrophenfreunde es so richtig versemmeln konnte!

Doch die echten Katastrophen lassen freilich nicht lange auf sich warten. Alex schubst versehentlich Franck gegen die Oma, die dann samt Scooter umkippt. Am Strand warten weitere Peinlichkeiten, und dann geht es weiter auf einen „Spaziergang“, der erneut die (rassistische) Oma, zwei ziemlich lüsterne Damen (angenehmes Wiedersehen: Elodie Fontan, jüngste Tochter in Monsieur Claude) und eine verunglückte Höhlenexpedition involviert.

 

Lost in Vacation

Diese Expedition ist das eigentliche Herzstück des Films und der Stil erinnert ein bisschen an R.E.C. oder Diary of the Dead, das heißt, die Perspektive ist die einer mobilen, verwackelten Kamera, was nicht jedem Kinobesucher gefällt. Ich persönlich fand es eine interessante Abwechslung und gewöhnte mich recht schnell an den etwas beengenden Blickwinkel. 

Ein chaotischer Haufen - mit Oma im Gepäck. Quelle.

Der Film hat ein gutes Tempo, sodass Langeweile vermieden wird. Das gleicht ein wenig die teilweise vorhersehbare Story aus. Die Gags reichen von superplatt bis unterhaltsam, was auch verzeihlich ist, denn dieser Film möchte lustig sein und mehr nicht. Am besten gefallen haben mir die politisch höchst inkorrekte Oma und der Subplot um die Freundin von Ernest, der ein sehr befriedigendes Ende erreicht; auch Christian Clavier (den ich seit Die Besucher verehre!) ist wieder spitze. Ab in den Dschungel ist eine nette Komödie für cringe-resistente Fans der sehr gut bestückten französischen Komödienlandschaft, reicht aber nicht an z. B. Monsieur Claude und seine Töchter heran. Wer den schon kennt, aber darauf verzichtet, seine Eltern ins Kino mitzunehmen, wird durchaus nicht enttäuscht, mehr aber auch nicht.

Thief II: The Metal Age – All should hear the words of Karras!

He who keeps his work in disorder

gives home to chaos.

Let him be struck
with stone and iron
to forge away
his flaws.

[Excerpt from Karras' Sermons]

Thief II: The Metal Age, released in 2000, is the successor of Looking Glass’ Thief: The Dark Project and after all these years still possibly the best stealth game of all time. It stays true to its remarkable predecessor and improved on just about everything.

 

It is night. You feel a chilly breeze, but it may become the wind of change. The formerly dark street glows in cold, metallic light. There are no trees, but cold, hard sculptures of masked angels and cogs mark the way of the Master Builder. Premodern urban sprawl encompasses all that used to be rural streets inhabited by wildlife. Metal beams and marble tiles have replaced the wooden structures and carved stone of old.

One year has passed since Garrett stole the Eye for Constantine, who turned out to be the incarnation of the Trickster, a deity of nature and chaos. Upon realizing his mistake, Garrett barely managed to escape with his skin, only to infiltrate the Trickster's lair for one last time more in order to banish him from the mortal realm with the help of a strategically deployed booby trap - sponsored by the tech-loving Order of the Hammer.

"If thou art my enemy, fear thou my power, for it is granted me by Karras
that I may smite all within the scope of mine eye."

The moral of the story is: Listen to the keepers (= the city's secret guardians). If they hide said indestructible Eye, described it as a “great, ancient evil”, you’d better leave it alone. 

 

However, the next threat is just around the corner: It's the dawn of the Metal Age. As the Trickster's magic fades away, the former Hammerite priest and self-proclaimed prophet Karras sets out to overthrow the world in the name of science, steampunk technology and religious extremism.

The developers at Looking Glass Studios knew exactly where they wanted to go with Thief II: More sneaking, less thrashing. So instead of shoving Burricks in your face, they opted for stealth and added a few nice gimmicks. Garrett, who lost his eye during the events of the first game, now has a mechanical substitute which he can throw around corners to catch a glimpse from a safe distance. This useful tool soon becomes a necessity as the newly industrialized world itself is under the scrutiny of eyes, both living and dead: Not only are there guards on patrol, but fully automated security cameras. If you stay in their field of vision for too long, they will glow with red light and alert guards to your presence.

If the security cam has spotted you (top center), the turret (left)
will fire bombs at you and the guards won't give a warming welcome either.

However, in many cases, these can be turned off by a switch which sometimes is, most conveniently, nearby the camera, but other times you will have to search a little or cannot switch them off at all. In later levels, there will even be turrets connected to the camera - no need for backup.

 

But these are not the biggest threats. One of the most interesting and controversial implementations are the robots. There are small worker bots which pose as much of a threat as an irritated servant, but there are also combat bots which will, upon being alerted, shoot a grenade at you with great precision and velocity. If you manage to sneak behind them, you can shoot water arrows into their boiler – 2 will disable them permanently. But facing them directly will be a challenge you’d rather avoid, trust me.

Nevertheless, I love them. You will hear them approach from afar as they stomp down an alleyway, playing recordings of Karras sermons, read by the man himself: The flesh is imperfect, it is unclean, it putrefies, but I am forged in The Builder's image: without... flesh. They are absolutely uncanny and terrifying. Awesome. 

Just a little worker bot, strolling through the First City Bank and Trust.

But of course, there are plenty of human guards around still. After all, Thief wouldn’t be Thief without them mumbling to themselves or gossiping around, and in this installment there are some hilarious scenes. In my favourite level, Blackmail, Garrett breaks into Sherriff Truart’s estate to confront him with an incriminating recording, but before events get serious, the player has a chance to listen to a guard named Benny complaining to the barista about some spilled mead. It turns out that Benny, the old drunkard, was the one who spilled it in the first place, which is made all the more hilarious thanks to Steven Russell’s brilliant voice acting skills (he voices Garrett and Karras, too!). Later, in Life of the Party, you may enjoy a quarrel between guards turning into a full-blown fight.

Speaking of which, Life of the Party definitely deserves mentioning as well. It is an absolutely huge level, but it is full of secrets, occurrences and strange things; even the keepers pay a visit – twice. What makes this level stand out is the setting, as the player has to travel across the rooftops of the city (instead of walking through the streets) to infiltrate Karras’ bureau in a gigantic tower. Levels like this are a huge improvement over the extra Gold levels of Thief I, which mostly felt empty and monotonous. On a less positive note, Thief II levels feature so much urban space that the few undead inhabitants often feel crammed in a tiny space, where they patrol endlessly around the same four corners (most notably in Eavesdropping). Undead have become more of a bonus and less of a feature.The truly horrible revelations are in-between rather than in obvious locations, which might be a bit of a disappointment for fans of levels like Return to the Haunted Cathedral.

A crazy leader...

There are many minor changes in gameplay, too. Thief II is, as mentioned, a lot more consequent when it comes to stealth, but that does not mean that the difficulty level is too high. The levels are easier to navigate now, because the developers have abandoned the rather monotonous, maze-like style of some earlier levels. Also, all food now restores a low amount of health, which is a nice gimmick and sometimes very helpful. Garrett finally got himself a flashlight (“flare”), which is needed especially in some versions of the game where you cannot adjust the brightness (fail!), and you can now freely bind the key for quicksave, which makes playing the game on a laptop a lot easier (win!). What is also helpful is that you now get clear notifications when you fulfill an objective, and there are slow-fall and invisibility potions and frog eggs to add some fresh mechanics. 

Sadly and undeservingly, Looking Glass went bankrupt before they could finish the gold edition, but maybe this was for the better considering how little effort seems to have been invested in the Levels of the previous gold edition. Whatever the outcome would have been, it is unlikely that the world will ever know what the Necromancer’s castle, the college and the slum level would have looked like except for some crude drafts. After my review of Thief: Deadly Shadows, I will make a wish-list on what a legitimate Thief 4 (and not a s*dding reboot!) could look like. 

...and his equally crazy followers.

But regardless of what the future has in store for the series, Thief II: The Metal Age easily snatches the crown of stealth games, puts it smilingly on its head and rests among my most beloved games of all time.